Los dopados

                                                                                                                 A Mirta

Así se llamaba la primera versión del hoy conocido tango Los mareados. Fue escrito entre 1915 y 1923, cuando el ajenjo quería ser prohibido, aunque no existiera una sanción ni para el opio ni para la cocaína. El devenir de esta historia, que nace en una melodía sin letra, en una simple y genial palpitación de la bestia de Juan Carlos Cobián, fue moralizando los términos, hasta transformar la ambigua referencia a las drogas bebidas en el glam del champagne.

Sin embargo, algo de la ambigua escucha narcótica queda en la melodía y en la letra. Si el tema a pesar de los innumerables filtros de la censura que tuvo que soportar (por ejemplo, llamarse "En mi pasado" en lugar de "Los mareados" en la década del '40, después de la versión prostibular y machista de 1922 de Raúl Doblas, Alberto T. Weisbach y Cadícamo), parece componerse en un ritmo que reproduce los exabruptos del alcohol, no es menos cierto que las estancias interrumpidas por algunas suspensiones casi psicodélicas de los vientos dan lugar a una percepción narcotizada, flotante, como si ahí, en el trasfondo del ethos alcohólico, emergiera la escucha de otra droga desconocida, que se sobreimprime al tema en general. 
Esa ambigüedad de la droga reaparece en las diversas -infinitas versiones- del tema; pero es en las mejores donde logra coagular con más intensidad el agon que se disputa la melodía y la voz. Pienso  en la versión de Troilo, que es la que impuso no solo el título sino la letra más o menos conocida (nunca definitiva), donde los chispazos estridentes de las burbujas del alcohol se suspenden en prolongaciones casi hasta el silencio instrumental. O, también, en esa atmósfera onírica y alucinada que tanto la voz como el acompañamiento instrumental generan en la interpretación de Baglieto y Vitale, imponiéndose a una melancolía alcohólica, que pasa casi imperceptible en su presencia silenciosa, hundida. O en la voz  tambaleante y ciclotímica -borracha- de Mercedes Sosa, filtrada con una música levitante que se enerva sobre el final en  el pulso fibrilante del bandoneón.  

Claro que la ambigüedad narcótica reaparece, además, en la letra. La primera versión, patética y miserabilista hasta el machismo, no explicita qué bebida es la que hace reír para no llorar a la muchachita a quien se invita a beber para soportar de la mejor manera el trabajo sexual. Una marcación que no solo remite al clisé heteropatriarcal del displacer de la mujer, sino que pone a la misma en un rol objetual pleno, en una posición sin poder ni alternativa. La droga –sin especificación- aparece, en esa letra, como aquella que puede hacer sobrellevar el rol que debe asumir, sin alternativas, la muchachita embrutecida: 

"Bebe ese olvido que te ofrecen,

que acallará tu almita herida

y, así podrás, embrutecida,

amar, beber, reír...

Busca del vicio el triste ensueño,

torna la mueca en carcajada,

que aquí no debes de llorar,

aquí debes reír, siempre reír."

En cambio, en la versión que conocemos, menos machista, pero no por eso feminista, la ambigüedad sobre el tipo de droga queda descartada, se trata de champagne, pero tiene un poder tan potente que es un ethos no genérico, sino que afecta a los dos amantes. De todos modos, en el inicio de esa letra, es imposible desprenderse no solo de la reminiscencia a una escena de cabaret, sino, además, a una percepción narcótica inespecífica más allá del alcohol: 

"Rara

como encendida

te hallé bebiendo

linda y fatal

bebías

y en el fragor del champagne

loca reías por no llorar.

Pena me dio encontrarte

pues al mirarte yo vi brillar

tus ojos en un eléctrico ardor"

La mujer aparece nuevamente con su fatalidad en la letra, pero en un ambiente de hombres, haciendo algo de hombres para los años '40: bebiendo. Y si bien el champagne coopta la escena, la frase "en un eléctrico ardor", nos dispara hacia una imaginación onírico-psicodélica mucho más próxima a las drogas pesadas que al alcohol. La trama de profunda melancolía (hoy vas a entrar en mi pasado, dice la letra), sumada a la tensión entre las percepciones de dos drogas que se disputan la escena, lleva el amor a una experiencia límite, que no es solo la del final, sino, precisamente, la de la transformación del presente en pasado, en una fantasmagoría amatoria que aniquila con su potencia el mundo divino, nocturno y electrificado en el que se mueven esos cuerpos. Y, así, el amor se vuelve una droga en esa escena, al punto de que se convierte en un fantasma encantador que se aniquila con su enlutamiento. He ahí, en esas tensiones más allá de la moral y de lo bienpensante de sus tonos y de su letra, donde persiste, a pesar de los filtros de la censura, el profundo encanto y adicción que produce y producirá ese tango, manifiesto no solo en la proliferación de versiones, sino en su escucha cada vez más alucinante.